Грани Эпохи

этико-философский журнал №83 / Осень 2020

Читателям Содержание Архив Выход

Александр Херсонов

 

Великие композиторы в значении «Сабианских символов»

«Не только пророки, но многие люди творческих профессий – исследователи, инженеры, художники, поэты, музыканты – в той или иной мере служат проводниками Высшей Гармонии. По достижении определённого уровня духовного развития человеку удаётся подключаться к высшим духовным сферам и черпать оттуда идеи своих творений. Духовно продвинутые композиторы слышат будущую музыку, поэты – рифмы, художники видят образы картин внутренним взором до того, как они будут перенесены ими на холст. Люди называют сие «талантом», «Божьим даром», «вдохновением».

Трилогия Бориэля Сима "Пять жизней на Земле. Эволюция душ". Интернет-сайт http://www.five-lives.com/

 

 

От автора

 

Я люблю слушать музыку. Разную хорошую музыку. Музыку, которая востребована душой. Музыку, о которой поэт В. Винокуров написал так:

 

Стихия музыки – могучая стихия

Она чем непонятней, тем сильней.

Глаза мои, бездонные, сухие

Слезами наполняются при ней.

Она и не видна, и не весома

И мы её в крови своей несём.

Мелодии всемирная истома

Как соль в воде растворена вo всём.

 

Да и автор этих строк, неравнодушный к гармонии звуков, однажды написал стихотворение, начинающееся строкой: «О, музыка! Постой, не говори мне жарких слов той неземной любви…». Однако среди сонма музыкотворцев моей душе ближе всего оказались три композитора, произведения которых я готов слушать бесконечно. Это означает, что, вероятно, в творениях отмеченных мной композиторов заложена сама Гармония, «всемирная истома», квинтэссенция самой жизни, жизни, выраженной в звуках. Этими композиторами являются Антонио Вивальди, Вольфганг Амадей Моцарт и Фредерик Шопен.

Далее мне подумалось о том, что гениальные созвучия непременно должны рождаться гениальными душами. Как именно это может происходить, нам поведал постоянный автор «Граней эпохи» Бориэль Сим: «По достижении определённого уровня духовного развития человеку удаётся подключаться к высшим духовным сферам и черпать оттуда идеи своих творений. Духовно продвинутые композиторы слышат будущую музыку…»

Затем возникла мысль, в поиске признаков гениальности композиторов, обратиться к астрологии, а именно, к содержанию Сабианских символов*. В надежде обнаружить в ясновидческих картинах градусов планет и гороскопов рождения композиторов нечто особенное, то, что и даёт возможность создавать бессмертную музыку. Музыку, уводящую в мир Прекрасной Гармонии.

 

 

Непогода Антонио Вивальди

 

 

«Анто́нио Лю́чио Вива́льди (итал. Antonio Lucio Vivaldi; 4 марта 1678, Венеция – 28 июля 1741, Вена) – итальянский композитор, скрипач, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди считается одним из крупнейших представителей итальянского скрипичного искусства XVIII века, при жизни получил широкое признание во всей Европе. Мастер ансамблево-оркестрового концерта – кончерто гроссо, автор девяноста опер. Вивальди в основном известен благодаря своим инструментальным концертам, в особенности для скрипки. Его наиболее известной работой является серия из четырёх скрипичных концертов «Времена года» [1]. Обнаруженные в январе 1963 года английским учёным Эриком Полом (Eric Paul) записи церковного прихода Святого Иоанна в Брагоре (предместье Венеции) позволили окончательно установить дату рождения композитора. Согласно этим записям, Антонио Вивальди родился 4 марта 1678 года и в тот же день был крещён в этом соборе. Крещение было срочно произведено акушеркой, так как мальчик родился хилым и был под угрозой смерти».

Итак, будущий скрипач и композитор родился в Венеции 4 марта 1678 года и символический гороскоп, составленный на полдень указанной даты обнаруживает следующие градусы: Солнце – 14 Рыб, момент рождения (АСЦ) – 8 Рака, слава и репутация (МС) – 11 Рыб. Обратим внимание на то, что все градусы распложены в стихии воды.

Ясновидческая картина Солнца такова: «Леди, закутанная в лисью меховую накидку». Что же стоит за символом? Оказывается, «использование разумности и ментальной тонкости для защиты от бурь и испытаний». Дэйн Радьяр поясняет: «Мы видим защиту себя от «непогоды» в прямом и переносном смысле, это необходимо, ибо посвящение себя Целому может вызвать сильную враждебность и разного рода бури. Ненужный риск недозволенности. Посвящённому, чтобы не вводить братство в ненужные опасности, лисье очарование и хитрость может быть хорошим защитным прикрытием».

Но проявилось ли обозначенное «прикрытие» в жизни Вивальди? Обратимся к биографии композитора.

«В Мантуе Вивальди познакомился с оперной певицей Анной Жиро (Anna Giraud), дочерью французского парикмахера. Это знакомство оказало большое влияние на последующую судьбу Вивальди. В своих посланиях к драматургу Карло Гольдони Вивальди представляет ему Анну Жиро как свою «прилежную ученицу». По мнению исследователей, именно Вивальди принадлежит большая заслуга в становлении Анны Жиро как оперной певицы. Это вполне вероятно, так как итальянские оперные композиторы обычно в совершенстве знали секреты вокальной техники. Современники отзывались об Анне как об искусной и одухотворённой певице с приятным, хотя и скромным по диапазону голосом. Карло Гольдони писал, что «она была некрасива, но очень изящна, имела тонкую талию, красивые глаза, прекрасные волосы, прелестный ротик. У неё был небольшой голосок, но несомненное актёрское дарование». Постоянной спутницей Вивальди стала также сестра Анны Жиро, Паолина, которая стала своего рода медицинской сестрой композитора и приняла на себя заботы о здоровье композитора, болевшего бронхиальной астмой. После трёхгодичной службы в Мантуе Вивальди вместе с Анной и Паолиной возвратился в Венецию, где Анну острые на язык венецианцы называли «подругой рыжего священника». В Венеции обе они постоянно жили в доме Вивальди и сопровождали его в многочисленных путешествиях, связанных в то время с опасностями и лишениями. Эти слишком тесные для духовного лица взаимоотношения с сёстрами Жиро неоднократно вызывали нарекания со стороны церковников. Этому способствовало и появление огромного количества народных слухов и домыслов вокруг персоны Вивальди. Так, по одному из слухов Вивальди был евнухом. Нарушение норм поведения священника привело к тяжёлым для Вивальди последствиям и обострению его отношений с церковной знатью Папской области. Известно, что в 1738 году кардинал-архиепископ города Феррары запретил Вивальди въехать в город и отслужить мессу ввиду грехопадения композитора. Несмотря на всё это, он всегда с большой душевной твёрдостью отстаивал честь и человеческое достоинство спутниц своей жизни, неизменно отзываясь о них с глубоким уважением».

К какому же выводу мы приходим? Вивальди, согласно указанию гороскопа рождения, действительно следовало «использовать разумность и ментальную тонкость для защиты от бурь и испытаний». Памятуя о том, что враги не дремлют. Враги реальны и опасны. Однако, «неистовый» Вивальди пренебрёг опасностью, проявил «ненужный риск недозволенности», за что и пострадал.

Картина момента рождения такова: «Группа кроликов в человеческой одежде шествует как на параде». Дэйн Радьяр в символе усматривает «существующую у всех форм жизни тенденцию имитировать высшие формы, как стимул к росту». И называет этот символ «странным». Однако символ вполне понятен: чтобы Вивальди «расти» как композитору, ему необходимо быть связанным с теми, «кто уже достиг более высокого эволюционного или ментального уровня». Необходим Учитель. Необходим высокий пример. Необходим маяк, на который композитор Вивальди мог бы держать путь. Вивальди нуждается в процессе обучения, поскольку его жизненный путь – путь ученичества. Увы, надо признаться, что в биографии Вивальди мы не находим чётких следов подтверждающих требование «момента рождения». В жизни Вивальди отсутствует чёткий ориентир движения, некий пункт конечной цели. Особого прилежного ученичества в жизни Вивальди мы также не замечаем. Отсюда следует вывод: Вивальди пошёл против природы рождения и поплатился за это. Печален был конец великого композитора, которого после смерти ожидало долгое забвение…

 

Последние годы жизни

 

Из биографии. «Точная дата отъезда из Венеции неизвестна, но предположительно в середине мая 1740 года музыкант окончательно оставляет Венецию и направляется к своему покровителю, императору Карлу VI. Он прибыл в Вену в неудачное время, через несколько месяцев после его прибытия скончался Карл VI, и началась война за австрийское наследство. Вене было не до Вивальди, и композитор ненадолго выехал для поиска новой работы в Дрезден, Саксония, где вероятнее всего и заболел. Всеми забытый, больной и без средств к существованию, он вернулся в Вену, где и скончался 28 июля 1741 года. Квартальный врач зафиксировал смерть «преподобного дона Антонио Вивальди от внутреннего воспаления». Похоронен на кладбище для бедняков за скромную плату 19 флоринов 45 крейцеров. Месяц спустя сёстры Маргарита и Дзанетта получили извещение о кончине Антонио. 26 августа судебный пристав описал его имущество в счёт погашения долгов».

Символическая картина славы и репутации: «Человек, идущий по узкому пути, ищет свет». В связи с поставленным нами вопросом, этот символ весьма существенен, ибо означает «способность содержащуюся в каждом индивидууме, искать любой ценой вхождения в трансцендентный мир реальности». Это в теории, в потенции. Но в реальной жизни далеко не каждый человек имеет подобную «способность» и «любой ценой ищет вход в потаённый мир реальности»? Безусловно, такой способностью обладал Вивальди, обретя «древний и вечный символ Пути Ученичества, всякий раз, стремясь, стать более великим».

Пусть это не покажется парадоксом, но не имея учителей, Вивальди всё таки продвигался по Пути Ученичества… Продолжая эту мысль Дэйн Радьяр пишет: «Путь всегда открыт для чистых сердцем, пробуждённых умом, владеющих своими эмоциями и духовно само мобилизованных».

Учитель Вивальди так и остался для всех невидимкой, поскольку Вивальди оказался человеком нового уровня сознания, которому было предназначено «идти вперёд» в искусстве музыкотворчества. Не потому ли после смерти Вивальди о нём отзывались как о посредственности, о нём забыли многие поколения ценителей музыки.

 

Забвение длиной в 200 лет

 

Из биографии. «Ещё при жизни Вивальди стал известен как композитор, способный за пять дней создать трёхактную оперу и сочинить множество вариаций на одну тему. Прославился на всю Европу в качестве скрипача-виртуоза. Все свои оперы Вивальди написал на сюжеты одного и того же драматурга – Карло Гольдони. Хотя обласканный им Гольдони после смерти рыжего священника высказался о нём в мемуарах как о довольно посредственном композиторе. Музыкальное наследие Антонио Вивальди было малоизвестно в XVIII – XIX веках, находилось в забвении почти 200 лет и лишь в 20-х годах XX века итальянским музыковедом были обнаружены собрания рукописей композитора. Долгое время о Вивальди помнили только потому, что И. С. Бах сделал ряд транскрипций сочинений своего предшественника, и только в XX веке было предпринято издание полного собрания инструментальных опусов Вивальди. Инструментальные концерты Вивальди являлись этапом на пути формирования классической симфонии. Современники нередко критиковали его за чрезмерное увлечение оперной сценой и проявленные при этом поспешность и неразборчивость.

Творчество Вивальди оказало огромное влияние не только на современных ему итальянских композиторов, но и на музыкантов других национальностей, прежде всего немецких. Здесь особенно интересно проследить влияние музыки Вивальди на И. С. Баха. В первой биографии Баха, опубликованной в 1802 году, её автор, Иоганн Николаус Форкель, выделил имя Вивальди среди мастеров, ставших предметом изучения для молодого Иоганна Себастьяна. Усиление инструментально-виртуозного характера тематизма Баха в кётенский период его творчества (1717 - 1723) непосредственно связано с изучением музыки Вивальди. Но его воздействие проявилось не только в усвоении и переработке отдельных выразительных приёмов, – оно было значительно шире и глубже. Бах настолько органично воспринял стиль Вивальди, что он стал его собственным музыкальным языком. Внутренняя близость с музыкой Вивальди ощутима в самых различных произведениях Баха вплоть до его знаменитой «Высокой» мессы си минор. Влияние, оказанное музыкой Вивальди на немецкого композитора, несомненно, было огромным. По словам А. Казеллы, «Бах – его величайший почитатель и вероятно единственный, кто в то время смог понять всё величие гения этого музыканта».

Ну, что же, нам остаётся только повторить вслед за Е. И. Рерих: «Гения может понять только гений».

 

 

Вольфганг Амадей Моцарт – глобальный человек для Новой Эры

 

 

Из энциклопедии. Во́льфганг Амаде́й Мо́царт, полное имя Иога́нн Хризосто́м Во́льфганг Теофи́л Мо́царт (нем. Joannes Chrysostomus Wolfgang Theophilus. 27 января 1756, Зальцбург – 5 декабря 1791, Вена) – австрийский композитор, капельмейстер, пианист, скрипач, клавесинист, органист. По свидетельству современников, обладал феноменальным музыкальным слухом, памятью и способностью к импровизации. Моцарт широко признан одним из величайших композиторов: его уникальность состоит в том, что он работал во всех музыкальных формах своего времени и во всех достиг наивысшего успеха. Наряду с Гайдном и Бетховеном, принадлежит к наиболее значительным представителям Венской классической школы.

Символический гороскоп, составленный на полдень 27 января 1756 года в Зальцбурге обнаруживает следующие градусы: Солнце – 7 Водолея, момент рождения (АСЦ) – 3 Близнецов, слава и репутация (МС) – 4 Водолея. Как видим, символизм градусов Моцарта принадлежит стихии воздуха. Это важное обстоятельство склоняет автора к предположению, что Моцарт является композитором Эры Водолея, первые шаги которой были сделаны, согласно разработке автора, ещё в середине XVI века. Как видим, слава и репутация Моцарта так же принадлежит Водолею, что подтверждает версию автора.

Символическая картина Солнца рождения Моцарта: «Ребёнок, родившийся из яйца». На что указывает символ? На «появление новых мутаций в соответствии с великими ритмами космоса». Такова особенность жизненной и творческой энергии Моцарта. Это композитор, рождающий новую музыку, соответствующую великим ритмам космоса. Вот почему нам приходится связывать имя Моцарта с наступлением Эры Водолея… И вот что пишет по этому поводу Радьяр: «Это новое порождение эволюции – мутант, новая проекция творческого Духа, эманирующего из космического или планетарного Целого, а не их локальной культуры или расовой традиции».

Итак, мы коснулись подоплёки творчества Моцарта, который не принадлежит локальной культуры или расовой традиции, поскольку его музыка эманирует из космического или планетарного целого. Что опять таки приводит нас к логической мысли связать рождение Моцарта с появлением на планете Земля набирающей силу энергии Эры Водолея. По содержанию символа в трактовке Радьяра, рождение Моцарта – это «появление глобального человека для Новой Эры». И мы знаем, что подобные Моцарту высокодуховные люди, периодически, с целью ускорения эволюционного развития человечества, посылаются на планету Земля Высшим Космическим Разумом… И здесь уже прямым текстом указывается на то, что Моцарт «человек Эры Водолея» и наше предположение получает подтверждение Дэйна Радьяра. Итак, «сила целого сконцентрирована в Моцарте, будучи свободной от древних норм и ценностей, основанных на локальных условиях». Как видим и здесь речь идёт в всемирной отзывчивости личности и творчества Моцарта, человека раннего периода Эры Водолея. После обнаруженного нам уже не приходится удивляться полной и безоговорочной принадлежности Моцарта масонскому братству, о чём речь пойдёт впереди.

 

Творчество

 

Из энциклопедии. «Отличительной чертой творчества Моцарта является сочетание строгих, ясных форм с глубокой эмоциональностью. Уникальность его творчества состоит в том, что он не только писал во всех существовавших в его эпоху формах и жанрах, но и в каждом из них оставил произведения непреходящего значения. Музыка Моцарта обнаруживает множество связей с разными национальными культурами (особенно итальянской), тем не менее, она принадлежит национальной венской почве и носит печать творческой индивидуальности великого композитора. Моцарт – один из величайших мелодистов. Его мелодика сочетает черты австрийской и немецкой народной песенности с певучестью итальянской кантилены. Несмотря на то, что его произведения отличаются поэтичностью и тонким изяществом, в них часто встречаются мелодии мужественного характера, с большим драматическим пафосом и контрастными элементами. Особое значение Моцарт придавал опере. Его оперы – целая эпоха в развитии этого вида музыкального искусства. Наряду с Глюком, он был величайшим реформатором жанра оперы, но в отличие от него, основой оперы считал музыку. Моцарт создал совершенно иной тип музыкальной драматургии, где оперная музыка находится в полном единстве с развитием сценического действия. Как следствие – в его операх нет однозначно положительных и отрицательных персонажей, характеры живые и многогранные, показаны взаимоотношения людей, их чувства и стремления. Наиболее популярными стали оперы «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан» и «Волшебная флейта».

 

Из биографии. «Моцарт родился 27 января 1756 года в Зальцбурге, бывшем тогда столицей Зальцбургского архиепископства, теперь этот город находится на территории Австрии. На второй день после рождения он был крещён в соборе святого Руперта. Запись в книге крещений даёт его имя на латыни как Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. В этих именах первые два слова – имя святого Иоанна Златоуста, не использующееся в повседневной жизни, а четвёртое при жизни Моцарта варьировалось: лат. Amadeus, нем. Gottlieb, итал. Amadeo, что значит «возлюбленный Богом». Сам Моцарт предпочитал, чтобы его называли Вольфганг. Музыкальные способности Моцарта проявились в очень раннем возрасте, когда ему было около трёх лет. Отец обучил Вольфганга основам игры на клавесине, скрипке и органе. В Лондоне малолетний Моцарт был объектом научных исследований, а в Голландии, где во время постов строго изгонялась музыка, для Моцарта было сделано исключение, так как в его необычайном даровании духовенство усматривало перст Божий. Всюду он возбуждал удивление и восторг, выходя победителем из труднейших испытаний, которые ему предлагались людьми как сведущими в музыке, так и дилетантами. Когда ему минуло 17 лет, среди его произведений насчитывались уже 4 оперы, несколько духовных сочинений, 13 симфоний, 24 сонаты, не говоря о массе более мелких композиций».

Как видим, в описании только небольшой части биографии Моцарта трижды встречается указание на божественное происхождение великого композитора.

 

«Водолейское» масонство Моцарта

 

Из энциклопедии. «Время жизни Моцарта совпало с пробуждением в Европе огромного интереса к духовно-мистическим учениям (вовремя родился, – А.Х). В относительно спокойный период середины ХVIII века наряду со стремлением к просвещению, поисками интеллектуального и общественно-образовательного порядка (французское просвещение, энциклопедисты) возникает интерес к эзотерическим учениям древности.

14 декабря 1784 года Моцарт вступил в Масонский орден, а к 1785 году уже был инициирован в степень Мастера-Масона. То же самое происходило в дальнейшем с Иозефом Гайдном и Леопольдом Моцартом (отцом композитора), который пришёл к степени Мастера за 16 дней с момента вступления в ложу. Есть несколько версий присоединения Моцарта к масонскому братству… В дальнейшем по рекомендации самого Моцарта в ту же ложу был принят и отец Вольфганга – Леопольд Моцарт (в 1787 году).

Став Мастером-Масоном, Моцарт в течение короткого времени создал немало музыки, предназначенной непосредственно для работы в ложе. Как указывает А. Эйнштейн, «Моцарт был страстным, убеждённым масоном, совсем не таким как Гайдн, который, хотя таковым и числился, с того момента, как его приняли в братство „свободных каменщиков“, ни разу не участвовал в деятельности ложи и не написал ни одной масонской вещи. Моцарт же не только оставил нам ряд значительных произведений, написанных специально для масонских обрядов и торжеств, – самая мысль о масонстве пронизывает его творчество». Наиболее насыщена взглядами, идеями и символами масонства опера «Волшебная флейта» (1791), либретто к которой написал масон Эммануэль Шиканедер.

В символике оперы явно прослеживается декларация основных масонских принципов. Триединства, характерные для масонской философии, пронизывают действие во всех направлениях: три феи, три мальчика, три гения и т.д. Действие открывается тем, что три феи убивают змея – олицетворение зла. И в первом и во втором актах оперы есть явные переклички с масонскими символами обозначающими: жизнь и смерть, мысль и действие. В развитие оперного сюжета вплетены массовые сцены, буквально демонстрирующие масонские ритуалы. Центральным образом оперы является жрец Зарастро, в чьих философских декларациях присутствуют важнейшие масонские триады: Сила, Знание, Мудрость, Любовь, Радость, Природа».

Картина момента рождения Моцарта поистине замечательна: «Сад Тюильри в Париже». Символ означает, «формализацию коллективных идеалов посредством применения разума и порядка к вновь открытым аспектам природы». Символ представляет «классический дух, который стремится к порядку». Но можно ли здесь говорить о «почитании формализма» Моцартом, как на то указывает Дэйн Радьяр? Коллективных идеалов чего именно? Будущей Коммуны? Будущего Коммунистического общества? Тогда именно это и следует считать « классикой», единственно возможным порядком в человеческом обществе

 

Педагогическая деятельность

 

Из энциклопедии. «Моцарт также вошёл в историю как музыкальный педагог. Среди его учеников был, в частности, английский музыкант Томас Аттвуд, который, по возвращении из Австрии в столицу Британской империи город Лондон, сразу занял должности придворного капельмейстера, органиста в Соборе Святого Павла, музыкального наставника герцогини Йоркской, и потом принцессы Уэльской».

 

Венский период

 

В 1781 году Моцарт окончательно поселился в Вене. В этом же году Моцарт женился на Констанце Вебер, сестре Алоизии Вебер, в которую он был влюблён во время пребывания в Мангейме. В первые же годы Моцарт приобрёл в Вене широкую известность; популярностью пользовались его «академии», как назывались в Вене публичные авторские концерты, в которых исполнялись сочинения одного композитора, нередко им самим.

В конце 1787 года, после смерти Кристофа Виллибальда Глюка, Моцарт получил должность «императорского и королевского камерного музыканта» с жалованием в 800 флоринов. Содержание в 800 флоринов не могло полностью обеспечить Моцарта; очевидно, уже в это время у него начали накапливаться долги, усугубляемые затратами на лечение болеющей жены. Моцарт набирал учеников, однако, по подсчётам специалистов, их было немного. В 1789 году композитор хотел покинуть Вену, но предпринятая им поездка на север, в том числе в Берлин, надежд не оправдала и материальное его положение не улучшила.

…Сальери остался на своём посту, а материальное положение Моцарта оказалось настолько безвыходным, что он должен был уехать из Вены от преследований кредиторов, чтобы артистическим путешествием хоть немного поправить свои дела.

Символизм славы и репутации Моцарта видится таковым: «Индийский йог, демонстрирующий свою целительную силу». Сразу же напрашивается вывод, что в музыкальном искусстве «Йог» Моцарт призван врачевать людей целительной музыкой…Ключ к символу предлагается такой: «Умелое использование духовных энергий для восстановления естественной гармонии, нарушенной негармоничными попытками человека преодолеть природу посредством ума». Отсюда следует , безусловно, музыка Моцарта заряжена духовными энергиями и направлена против житейского хаоса и несуразицы.

 

Последний год

 

«В мае 1791 года Моцарт был зачислен на неоплачиваемую должность ассистента капельмейстера Кафедрального собора Святого Стефана; эта должность предоставляла ему право стать капельмейстером после смерти тяжелобольного Леопольда Хофмана; Хофман, однако, пережил Моцарта.

Моцарт, как и большинство его современников, немало внимания уделял и духовной музыке, но великих образцов в этой области он оставил немного: кроме «Misericordias Domini» – «Aveverumcorpus» (KV 618, 1791 год), написанный в совершенно не характерном для Моцарта стиле, и величественно-горестный Реквием (KV 626), над которым Моцарт работал последние месяцы своей жизни». По этому поводу заметим, что «духовная музыка», присущая Эре Рыб, и творчество Моцарта Эры Водолея – антиподы, несовместимые понятия. Первая, основанная на вере, – принадлежит эпохе «лишений и страданий» и воспевает «лишения и страдания» человечества. Вторая, основанная на знании, принадлежит эпохе гуманизма, полна оптимизма, несёт идею свободы и братства человечества, содержит иной энергетический потенциал. Вот почему «великих образцов в духовной музыке, написанный в совершенно не характерном для Моцарта стиле композитор оставил немного». «Интересна история написания «Реквиема». В июле 1791 года Моцарта посетил некий таинственный незнакомец в сером и заказал ему «Реквием» (траурную заупокойную мессу). Как установили биографы композитора, это был посланец графа Франца фон Вальзегг-Штуппаха, музицирующего дилетанта, любившего исполнять у себя во дворце силами своей капеллы чужие произведения, покупая у композиторов авторство; реквиемом он хотел почтить память своей покойной жены».

 

Смерть Моцарта

«Умер Моцарт 5 декабря 1791 года примерно через час после полуночи, на тридцать шестом году жизни. Причина смерти Моцарта до сих пор является предметом споров. Большинство исследователей считает, что Моцарт действительно умер, как это и было указано в медицинском заключении, от ревматической (просовидной) лихорадки, возможно, осложненной острой сердечной или почечной недостаточностью. Знаменитая легенда об отравлении Моцарта композитором Сальери и сейчас поддерживается несколькими музыковедами, но сколько-нибудь убедительные доказательства этой версии отсутствуют.

17 мая 1997 года суд, заседавший в миланском Дворце правосудия, рассмотрев дело Антонио Сальери по обвинению в убийстве Моцарта, вынес ему оправдательный приговор».

 

 

Кенотаф Моцарта – наиболее известное «захоронение» кладбища Святого Марка.

 

Похороны. Вопреки распространённому мнению, Моцарт не был похоронен зашитым в полотняной мешок в братской могиле вместе с бедняками, как это было показано в кинофильме «Амадей». Его похороны проходили по третьему разряду, что предусматривало погребение в гробу, но в общей могиле вместе с 5-6 другими гробами. В похоронах Моцарта не было ничего необычного для того времени. Это не были «похороны нищего». Погребёнными в отдельной могиле с надгробием или памятником могли быть только очень богатые люди и представители знати. Впечатляющие (хотя и по второму разряду) похороны Бетховена в 1827 году проходили уже в другой эпохе и, кроме того, отражали резко возросший социальный статус музыкантов, за что всю жизнь боролся сам Моцарт. Для венцев смерть Моцарта прошла практически незаметно, однако в Праге при большом стечении народа (около 4000 человек) в память о Моцарте спустя 9 дней после его смерти 120 музыкантов исполнили со специальными дополнениями написанный ещё в 1776 году «Реквием» Антонио Розетти. Дата погребения Моцарта вызывает разногласия (6 или 7 декабря). Около 3 часов пополудни тело Моцарта было привезено к Собору Святого Стефана. Здесь в маленькой часовне состоялась скромная религиозная церемония. Кто из друзей и близких присутствовал при этом, остаётся неизвестным. Катафалк отправился на кладбище после шести вечера, то есть уже в темноте. Провожавшие гроб, не последовали за ним за городские ворота. Местом погребения Моцарта было Кладбище Святого Марка».

 

 

Непокорная воля Фредерика Шопена

 

 

Фредери́к Франсуа́ Шопе́н (фр. Frédéric François Chopin [ʃɔpɛ̃; польск. Fryderyk Franciszek Szopen [ˈʂɔpɛn̪], Фреде́рик Франци́шек Шо́пен; 22 февраля 1810, деревня Желязова-Воля, близ Варшавы – 17 октября 1849, Париж) – польский композитор и пианист-виртуоз, педагог.

Из энциклопедии «Википедия».

В силу того, что Польша перестала существовать как государство ещё в 1795 году, а Варшава, по итогам Наполеоновских войн, находилась на территории, отошедшей к Российской Империи, Шопен, до отъезда на запад, жил на территории, являющейся частью Российской империи. Исключением являются первые годы жизни, вплоть до 3 мая 1815 года. В это время данная территория являлась частью Варшавского Герцогства вассального Французской Империи.

Уже в детские годы Шопен проявил необыкновенные музыкальные способности. Он был окружён особым вниманием и заботой. Подобно Моцарту, он поражал окружающих музыкальной «одержимостью», неиссякаемой фантазией в импровизациях, прирождённым пианизмом. Его восприимчивость и музыкальная впечатлительность проявлялись бурно и необычно. Он мог плакать, слушая музыку, вскакивать ночью, чтобы подобрать на фортепиано запомнившуюся мелодию или аккорд.

Символический гороскоп, составленный на полдень 22 февраля 1810 года в Варшаве обнаруживает следующие градусы: Солнце – 3 Рыбы, момент рождения (АСЦ) – 5 Рака и слава-репутация (МС) – 30 Водолея.Заметим, что как и в случае с Антонио Вивальди, Фредерик Шопен символически полностью принадлежит стихии воды, отсюда можно предположить, что творчество Шопена, является главным образом отражением Эры Рыб, следовательно основано на вере, а не на знании.

Картина Солнца представляется безрадостной: «Окаменевшие древесные стволы лежат разбитыми на песке пустыни». Но что стоит за означенным символом? По мнению Дэйна Радьяра за символом стоит «способность сохранять свидетельства достижений, присущие вполне зрелым культурам». Отсюда следует, что творчество Шопена направлено на то, чтобы выразить в музыке и культуре всё то лучшее, что до него было создано человечеством. Это символ неразрушимости.

Означенной «зрелой культурой» является Эра Рыб, к началу ХХ века оказавшаяся исторически «перезревшей» и требовавшая замены на Новую Эру. Таким образом, Шопен является композитором, который воплотил в музыке идеи периода «лишений и страданий» человечества. Шопен, как и Вивальди, композитор планеты Нептун, в отличие от Моцарта, который принадлежит планете Уран... Нептун – планета мечтателей и фантазёров, искателей духа и поэтов . Вот почему в музыке Шопен представляется фантазёром и мечтателем, поэтом-романтиком, неистовым и беспокойным странником-пилигримом, не знающим успокоения. Отсюда и это признание: «Его восприимчивость и музыкальная впечатлительность проявлялись бурно и необычно. Он мог плакать, слушая музыку, вскакивать ночью, чтобы подобрать на фортепиано запомнившуюся мелодию или аккорд».

Для утверждения сказанного выше в тексте о Шопене подчеркнём «места» явно нептунианского происхождения.

Из энциклопедии. «Любовь к преподаванию музыки и пианизма была отличительной чертой Шопена, одного из немногих великих артистов, которые посвятили этому много времени… В полонезах, балладах Шопен рассказывает о своей стране, Польше, о красотах её пейзажей и трагическом прошлом. В этих произведениях он использует лучшие черты народного эпоса. Вместе с тем Шопен исключительно самобытен. Музыка его отличается смелой изобразительностью и нигде не страдает причудливостью. После Бетховена классицизм уступил место романтизму, и Шопен стал одним из главных представителей этого направления в музыке. Если где-то в его творчестве и чувствуется рефлексия, то, наверное, в сонатах, что не мешает им быть высокими образцами жанра. Часто Шопен достигает вершин трагизма. К лучшим произведениям Шопена можно отнести этюды: в них, помимо технических экзерсисов, бывших до Шопена главной и чуть ли не единственной целью этого жанра, слушателю раскрывается удивительный поэтический мир. Эти этюды отличаются то юношеской порывистой свежестью, как, например, этюд ges-dur, то драматизмом (этюды f-moll, c-moll). В них имеются замечательные мелодические и гармонические красоты. Этюд cis-moll достигает бетховенских высот трагизма.

Наиболее интимным, «автобиографическим» жанром в творчестве Шопена являются его вальсы. Шопен отличался выдержанностью и замкнутостью, поэтому его личность раскрывается только тем, кто хорошо знает его музыку. Многие знаменитые артисты и литераторы того времени преклонялись перед Шопеном: композиторы Ференц Лист, Роберт Шуман, Феликс Мендельсон, Джакомо Мейербер, Игнац Мошелес, Гектор Берлиоз, певец Адольф Нурри, поэты Генрих Гейне и Адам Мицкевич, художник Эжен Делакруа, журналист Агатон Гиллер и многие другие».

Обратите внимание, на не случайно подчёркнутое «того времени». Но почему, спросим себя, «многие поклонялись»? Да потому, что, как и Шопен, слушатели сами были «плоть от плоти» порождением той же самой энергии Эры Рыб и планеты Нептун. Эта музыка была предельно понятна, близка и необычайно трогала современников.

Символическая картина рождения Шопена описывает катастрофу: «На пересечении шоссе и железной дороги автомобиль, разбитый поездом». Представленный символ убеждает обратиться к биографии великого композитора и пианиста, поскольку, по мнению Радьяра, представляет «трагические последствия, которые могут быть вызваны тем, что воля индивидуума беззаботно противопоставляет себя силе коллективной воли общества».

Но почему же именно беззаботно? Возможно, беззаботность в противопоставлении воли Шопена воли общества на самом деле отсутствует и, напротив, несёт трагическое напряжение… Но было ли на самом деле противопоставление воли Шопена воли общества? Обратимся к биографии Шопена.

«В 1830 году прибыла весть о вспыхнувшем восстании за независимость в Польше. Шопен мечтает вернуться на родину и принять участие в боях. Сборы закончены, но по дороге в Польшу его застала страшная весть: восстание подавлено, руководителя взяли в плен. Шопен глубоко верил в то, что его музыка поможет родному народу добиться победы. «Будет Польша блестящая, могучая, независимая!» – так он написал в своем дневнике. Проехав Дрезден, Вену, Мюнхен, он в 1831 году приехал в Париж. В пути Шопен написал дневник (так называемый «Штутгартский дневник»), отражающий его душевное состояние во время пребывания в Штутгарте, где его охватывало отчаяние из-за краха Польского восстания. В этот период Шопен пишет свой знаменитый «Революционный этюд».

Имеется и другой вариант катастрофы жизни Шопена.

«Десятилетнее сожительство с Жорж Санд, полное нравственных испытаний, сильно подточило здоровье Шопена, а разрыв с ней в 1847 г., помимо того, что вызвал у него значительный стресс, лишил его возможности отдыхать в Ноане. Желая покинуть Париж, чтобы сменить обстановку и расширить свой круг знакомств, Шопен в апреле 1848 г. отправился в Лондон – концертировать и преподавать. Это оказалось последним его путешествием. Успех, нервная, напряжённая жизнь, сырой британский климат, а главное, периодически обострявшееся хроническое заболевание лёгких, – всё это окончательно подорвало его силы.

Символическая картина славы и репутации Шопена напрямую связана и с культурой, и с духовностью, что, безусловно,похоже наистину: «Глубоко укоренённое в прошлом очень древней культуры духовное братство, в котором индивидуальные умы растворяются в сияющем свете единого сознания, открывается человеку, успешно прошедшего метаморфозу». Не этот ли ключ к символизму раскрывает нам тайную основу творчества Шопена: «Способность с открытым умом и глубоким чувствованием самотрансценденции войти в соприкосновение с более высокими формами существования».

Из энциклопедии. «Автор многочисленных произведений для фортепиано. Крупнейший представитель польского музыкального искусства. По-новому истолковал многие жанры: возродил на романтической основе прелюдию, создал фортепианную балладу, опоэтизировал и драматизировал танцы – мазурку, полонез, вальс; превратил скерцо в самостоятельное произведение. Обогатил гармонию и фортепианную фактуру; сочетал классичность формы с мелодическим богатством и фантазией».

И здесь автору вспоминаются строки Б. Пастернака из знаменитого стихотворения «Во всём мне хочется дойти до самой сути»:

 

«В стихи б я внёс дыханье роз,

Дыханье мяты,

Луга, осоку, сенокос,

Грозы раскаты.

Так некогда Шопен вложил

Живое чудо

Фольварков, парков, рощ, могил

В свои этюды.

Достигнутого торжества

Игра и мука

Натянутая тетива

Тугого лука».

 

Похороны

 

«Вернувшись в Париж, Шопен умер 5 (17) октября 1849 года. О Шопене глубоко скорбел весь музыкальный мир. На его похороны собрались тысячи поклонников его творчества. Согласно желанию покойного, на его похоронах известнейшими артистами того времени был исполнен «Реквием» Моцарта – композитора, которого Шопен ставил выше всех других (а его «Реквием» и симфонию «Юпитер» называл своими любимыми произведениями), а также была исполнена его собственная прелюдия № 4 (ми-минор). На кладбище Пер-Лашез прах Шопена покоится между могилами Керубини и Беллини. Сердце Шопена было, согласно его воле, отправлено в Варшаву, где оно замуровано в колонну церкви Святого Креста».

 

* Рейн Радьяр «Астрологическая мандала», М, «Сампо», 2006.

** Наиболее значимые места текста показаны выделенным шрифтом.

 

Сайт автора www.hersonov.ru

 

 


№59 дата публикации: 01.09.2014

 

Оцените публикацию: feedback

 

Вернуться к началу страницы: settings_backup_restore

 

 

 

Редакция

Редакция этико-философского журнала «Грани эпохи» рада видеть Вас среди наших читателей и...

Приложения

Каталог картин Рерихов
Академия
Платон - Мыслитель

 

Материалы с пометкой рубрики и именем автора присылайте по адресу:
ethics@narod.ru или editors@yandex.ru

 

Subscribe.Ru

Этико-философский журнал
"Грани эпохи"

Подписаться письмом

 

Agni-Yoga Top Sites

copyright © грани эпохи 2000 - 2020